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Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Carmen Gómez Raba, la mère d’Ana Gallardo, était peintre. Sa carrière, comme celle de tant de femmes à cette époque, a été mise de côté. Durant la pandémie, Ana Gallardo retrouve une série de ses peintures, ainsi que du matériel datant du séjour maternel au Mexique aux alentours des années 50. Elle décide de travailler à partir de ces objets trouvés pour qu’ils deviennent des éléments de sa propre mémoire et pour cela elle entreprend de restaurer ces sept toiles. Elle apprend que l’on peut nettoyer l’objet à restaurer avec de la salive et entreprend cette restauration selon ce procédé, initiant un processus de guérison qui implique ce produit corporel. La vidéo Una baba rend compte de ce processus de restauration ainsi que des réflexions qui se forgent dans son esprit à partir de ce lent et laborieux travail qui implique l’intime.

Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Carmen Gómez Raba, la mère d’Ana Gallardo, était peintre. (...) A partir d’une parution dans un journal des années 50 d’une peinture de Gómez Raba, Gallardo commence un travail d’agrandissement jusqu`à arriver à la dissolution de la trame avec laquelle l’image a été imprimée. Il s’avère que par un agrandissement numérique si important, les points qui étaient originellement en encre noire se diffractent en une multitude de taches colorées qui remplissent le vide d’information, jusqu’à faire perdre complètement la perception de l’image originale. Ce sont ces patterns qu’Ana a peints à l’huile sur des feuilles, qui deviennent les fragments d’une nouvelle mosaïque. Dans cet acte, Gallardo évoque les messages cryptés véhiculés par une image, s’inscrivant dans un seul pixel de celle-ci, un codage pour faire circuler de l’information sensible utilisant comme vecteur un minime fragment de l’image d’origine, fragment pas détectable pour le néophyte. Pour Gallardo, cette macroscopie de l’image jusqu’à la rendre méconnaissable évoque le partage d’un secret, une possibilité de passage à la clandestinité, l’utilisation d’images codées pour transmettre des idées que le monde est de moins en moins disposé à entendre.

Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Ana Gallardo demande par ailleurs à sa fille, Rocío Gallardo, de réaliser des céramiques qui donnent corps aux poteries peintes dans une peinture de Gómez Raba. L’image devient ainsi matière, et ce passage d’une génération à l’autre inscrit l’œuvre dans une continuité de mémoire.

Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Carmen Gómez Raba, la mère d’Ana Gallardo, était peintre. (...) L’œuvre de Carmen Gómez Raba est également présente à travers une sérigraphie et une broderie, réalisées à posteriori à partir de ses natures mortes. Ces deux médiums de reproduction introduisent chacun une trame graphique différente de l’image originale en lui ajoutant une nouvelle couche de signification.

Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Carmen Gómez Raba, la mère d’Ana Gallardo, était peintre. (...) L’œuvre de Carmen Gómez Raba est également présente à travers une sérigraphie et une broderie, réalisées à posteriori à partir de ses natures mortes. Ces deux médiums de reproduction introduisent chacun une trame graphique différente de l’image originale en lui ajoutant une nouvelle couche de signification.

Les œuvres ici présentes veulent esquisser des mouvements, des procédés, qui recomposent une figure disparue à partir de fragments de sa présence au monde, de ses traces matérielles qui deviennent des objets de mémoire. Tant pour Cecilia Garcia Riglos que pour Ana Gallardo, cette reconstruction est celle d'une filiation par ligne maternelle. Toutes deux travaillent sur les traces de leur mère disparue pour faire œuvre dans le but de contrer leur invisibilité et de rétablir pour elles une place dans le monde à partir de leurs postulats artistiques. Ces deux artistes démontrent que dans le détail de ce qui est apparemment inoffensif, ces travaux relégués à la sphère privée, dévalorisés parce que associés au féminin, bat un réseau secret de résistance. Sortir d'une invisibilisation pour rentrer dans un code quasi secret, c'est peut-être une ressource qui donne en ces moments un avantage tactique.(...) Garcia Riglos travaille à partir d'objets ramenés de Buenos Aires, ayant appartenu à sa mère et à ses grands-mères. Transmis de génération en génération, certains ont même été créés par elles. Rejet ou fascination, ils ne la laissaient pas indifférente, étant véhicule de secrets, de tristesse et de tendresse. À la disparition de ses femmes, et devant la découverte d'un secret familial, son travail a été de se saisir de ces objets pour leur inventer un nouveau récit. L’œuvre se forge dans le geste minimal de l'assemblage, dans l'équilibre fragile des éléments et dans la mise en scène d'une beauté factice. Ces éléments portent en eux une imperfection qui ne soigne que les apparences, tout comme le faisaient ces femmes, en tissant des histoires pour dissimuler la peur, la honte et la tristesse. Dans la recomposition de ces liens, la douceur se joint à une rage contestataire presque punk. Les images de corps fragmentés se confondent pour réinventer ces êtres dans une revanche de mémoire. Selon Garcia Riglos: "Éléments de tendresse suspendus, des vêtements de force. La peau devient une armure, pour échapper à l'amnésie." Pour faire acte de compréhension, d’appréhension, c’est-à-dire, de trouver à nouveau la présence de quelqu'un d’une manière charnelle, matérielle, et essayer d'y trouver réponse.

Giona Maiarelli est un artiste visuel et directeur artistique, né à Milan et basé à New York. Co-fondateur de l'agence Maiarelli Studio, il étudie en Italie et aux Etats Unis, puis avec le renommé designer graphique Milton Glaser dont il rejoint le studio par la suite. Depuis 2016, Giona porte une attention accrue à son activité artistique, créant et exposant en premier lieu des collages. Il travaille à partir d'images trouvées dans des libraires ou de pages du New York Times. Son travail explore le paysage physique et social de l'Amérique. Il extrait des fragments de photographies de leur contexte original et crée des relations inattendues avec d'autres éléments visuels, les transformant ainsi en observations ambigües et souvent poétiques.   Cette nouvelle série prend son origine dans le magazine italien de design et d'architecture Domus, fondé par Gio Ponti en 1928. Une pile de ces anciens magazines lui est donnée, et de là, nait une inspiration légèrement différente de ses thématiques de prédilection. Domus, terme latin pour Maison, est le lieu où la mémoire réside. Giona Maiarelli y adjoint par la suite d'autres images issues d'ouvrages sur la géologie. La vision et les interrogations s'élargissent alors du foyer de la vie domestique, au paysage et à "notre maison", la Terre. L'impact des sociétés industrialisées sur cet habitat commun prend part à la réflexion. Les images de l'exposition Domus sont scannées et imprimées sur du papier fine art haute qualité et travaillées à la gouache avec inclusion de quartzite. Vernissage le jeudi 22 octobre à la galerie Oblique Nuage, de 17h à 21h Galerie Oblique Nuage, 19 rue de la Mare, 75020 Paris L'exposition Domus sera ensuite ouverte du mercredi au dimanche de 15h à 19h jusqu'au 1er novembre.

Là où marchent les dieux est la nouvelle exposition personnelle d’Abel Burger à Bruxelles. Cette exposition est une partie d’un système éponyme en cours de création et qui se développera sous différentes formes artistiques : film, livres, dessins... Nous présenterons à partir du 19 septembre une sélection de dessins et de peintures réalisés ces derniers mois. Ces œuvres sont nées sous différents cieux. Ce sont des jalons dans la quête qui a poussé Abel sur les chemins et l’a amenée à se confronter à la solitude des temples antiques et à la ferveur des chapelles orthodoxes, dans une recherche intime de ce que signifie encore le sacré. Nous avons pensé cette exposition ensemble avec la volonté d’inviter le visiteur à ouvrir son regard sur l’invisible et à accéder à une expérience transformatrice. (...) Abel Burger est à la fois démiurge et découvreur : sa main donne forme à ce que son intuition perçoit des mondes invisibles. Elle défriche et bâtit en même temps, avançant à tâtons dans un territoire et une mémoire qui se révèlent à elle par bribes. Ses dessins sont les espaces où signes, gestes et croyances se superposent et s’articulent. Autour des traces fragmentaires et des scènes rituéliques se tisse une narration qui n’est pas linéaire : elle serpente, d’un plan à l’autre, d’un temps à l’autre. Du papier mordu de sillons, de stigmates et caressé de pigments, elle exhume des vestiges et les réarrange en un récit aux contours mouvants qui peu à peu se révèle dans chacun de ses dessins. Cette œuvre se construit à travers toutes ses œuvres, comme une vaste épopée dont chaque dessin constitue un pan de l’histoire. Avec tendresse, Abel y est tour à tour conquérant, bâtisseur, archiviste zélé et témoin aimant de la foi exprimée par les gestes répétés de mille petits personnages. Elle est aussi l’intercesseur entre les hommes et les dieux, portant l’espérance des uns et la réponse des autres. Mieux encore : elle ouvre un passage, faisant de ses dessins le lieu où les hommes et les dieux peuvent se rencontrer. (...) Justine Jacquemin, 2026

Depuis 1969 la photocopie est devenue un moyen d’expression utilisée par de très nombreux artistes. Notons le monopole Xerox N/B mis sur le marché européen de 1969 à 1980 (sortie en 1974 du tri-couleurs). Cette exposition réunit différents artistes du Fonds, dont AMAL ABDENOUR (1931- 2020) qui s’exprime ainsi: FAIRE DE L’ART PAR LE MOYEN QUE L’ON CHOISIT NE S’EXPLIQUE PAS. LE PROCEDE DE LA PHOTOCOPIEUSE EST UN ABOUTISSEMENT EN SOI, AVEC SES LOIS AUTONOMES ET SES POSSIBILITES INHERENTES INDEFINIES QUI M’A PERMIS DE ME LIBERER DES CONTRAINTES DE LA PEINTURE DONNANT UNE NOUVELLE VISION DE L’ART QUI  EST LA CONSEQUENCE DE LA CREATION DE FORMES INEDITES, INEXPLOREES PREUVE DE L’INFINITUDE DE L’ART GRACE A L’APPLICATION ARTISTIQUE PAR LA SCIENCE OU LA TECHNOLOGIE ET DE L’ENRICHISSEMENT DE L’APPORT CULTUREL.​​​      Mais ce sont également ALTAGOR (1915-1992), AGULLO (1945-1980) et de façon plus récente LES FONDUSKI PROJECTIONS (1996) groupe de cinéma-vidéo lettriste autour de Maurice LEMAITRE (1926-2018) dont on fête le centenaire. Cette exposition concerne également l’usage qui en a été fait pour produire des «revues d’artistes» comme PLAGES auxquelles de nombreux artistes ont contribué. Il faut noter que la photocopie comme moyen d’expression devenant un moyen de communication par sa reproduction facile, a généré une forme d’art sociologique tenant de l’esthétique de la communication.

L'exposition Sous les bois, dans les jardins, à l’ombre des vallons présente les œuvres de 3 artistes renouvelant la perception des éléments végétaux, atmosphériques, physiques du paysage, de la flore des bosquets et parterres aux horizons découpés en aplats colorés. Emmy Bergsma, néerlandaise de Zwolle, nous révèle ses jardins mystérieux, secrets, dessinant au fusain, au pastel de vastes compositions, à moins qu'elle ne façonne des fleurs imaginées à partir de savantes découpes. En parallèle elle participe du 26.09.26 au 29.11.26 au group show 'Arbres, nuages et autres corps', commissaire Asdis Olafsdottir, Maison Louis Carré, Bazoches-sur-Guyonne. "Je dessine l’ «espace poétique » qui émerge lorsque je m’ouvre à la botanique. Au cours de ces observations, une nature vivante s’installe, porteuse d’histoires et de sensations. La nature est aussi une source de sagesse pour moi, servant souvent de miroir à l’existence humaine. Cette perspective m’amène à un domaine où la vraie nature de la nature croise celle de l’humanité. Je suis fascinée d’observer le cours de la nature quand il n’y a plus d’intervention humaine. Mes observations sur la résilience de la nature dans divers endroits du monde, comme la forêt primitive de Bialowieza (Pologne), les banians sacrés en Indonésie et les majestueux châtaigniers du parc municipal de Zwolle. (Pays-Bas)" Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

L'exposition Sous les bois, dans les jardins, à l’ombre des vallons présente les œuvres de 3 artistes renouvelant la perception des éléments végétaux, atmosphériques, physiques du paysage, de la flore des bosquets et parterres aux horizons découpés en aplats colorés. Fabrice Cazenave explore la flore des sous-bois, les sensations éprouvées en immersion dans des lieux familiers du Béarn où il utilise parfois l'auto-hypnose pour dessiner au fusain, au crayon, à l'encre les végétaux qui l'entourent. À l'ère de l'Anthropocène et sous le dard des rayons du soleil frappant drus la forêt aimée des Pyrénées-Atlantiques parcourue depuis toujours, Fabrice Cazenave observe son corps fondu en même temps qu'une nature brûlée soudain devenue inconnue. Ici, un yucca aléatoire, là, un palmier improbable, quand les marennes de chênes ont l'habitude de prospérer, vertes et centenaires, dans un espace jusque-là jamais partagé. Dépassée la sidération, le plasticien, à l'écoute de ses émotions, attentif au bourdonnement organique de ses cellules, rend compte du dérèglement climatique qui affecte son Usage du monde, sous les rhizomes d'archi-traces hiéroglyphiques. Comme chaque été, Fabrice l'artiste, redevient Cazenave le danseur, assidu à la marche, soucieux de maintenir l'athlétisme d'une morphologie sportive. Remontant les sentiers de la sylve, dans le même instant, il sillonne les « Sentiers de [s]a création ». Agnès Callu, Membre du LAP, EHESS/CNRS- 2026 Brûlures, extraits Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

L'exposition Sous les bois, dans les jardins, à l’ombre des vallons...présente les œuvres de 3 artistes renouvelant la perception des éléments végétaux, atmosphériques, physiques du paysage, de la flore des bosquets et parterres aux horizons découpés en aplats colorés. Benjamin Nachtwey (…) séjourne régulièrement en Provence, où il capte, en peignant 'sur le motif' les variations opérées par la lumière sur les vallons et chemins qu'il affectionne. "En tant que peintre figuratif, j'ai observé les espaces très différents de la vie contemporaine ces dernières années. J’organise ensuite ces recherches en chapitres ou contextes : la ville, les médias, les voyages, la route, les paysages, la forêt ... La complexité de notre époque, avec ses simultanéités, contradictions, demande une structure élaborée. La question du ‘classicisme’, les débuts de la modernité m’ont intéressé depuis toujours, A savoir comment, à travers l’expérimentation sensorielle du monde extérieur, dans sa "modernité", ses dimensions, des ensembles d’images planes peuvent surgir. C’est-à-dire, en fin de compte, la texture de la couleur sur la toile et/ou le sujet de l’œuvre... Pour les peintures de paysage, je recherche désormais une planéité extrême dans l'application des couleurs ; les «contours» suivant ici les tracés de couleur ou de lumière captés au préalable dans les petites études à l'huile : une forme de composition ou d’harmonie naît de ces formes fluides. Mes séries de paysages du sud ont été créées à l’occasion de voyages fréquents dans le sud de la France; de nombreuses études en plein air (huile / médium) et dessins ont été réalisées sur place." B N, 2020 Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

Raffaele Capuana est né en 1947 à Carlentini, dans la province de Catane, en Sicile. Il est le benjamin d’une fratrie de trois enfants. Son père, Santi, peint par passion, mais sa mère, Luigia, décide de quitter la Sicile pour s’installer à Milan afin d’éloigner ses enfants d’une relation difficile avec son mari. Raffaele souffre profondément de cet éloignement de son père, auquel il restera attaché toute sa vie. À Milan, Raffaele poursuit sa scolarité jusqu’à la fin du collège, puis commence spontanément à peindre. En 1967, pendant son service militaire, il présente les premiers signes de troubles psychiques. En 1968, il trouve un emploi à la poste et se marie. Il a deux fils. Il travaille le jour et peint la nuit, mais le manque de sommeil aggrave son état de santé. En 1980, il s’inscrit à un cours de dessin destiné aux peintres amateurs à l’Académie des beaux-arts de Brera. Il vit et travaille dans un sous-sol à Sesto San Giovanni, tandis que son mariage traverse une crise. Sa vie sentimentale est également marquée par l’instabilité de ses relations extraconjugales. En 1994, il prend une retraite anticipée pour se consacrer entièrement à la peinture. Il est toutefois contraint de quitter son atelier-domicile auquel il est très attaché pour s’installer à Cusano Milanino. Lors de ce déménagement, nombre de ses tableaux sont perdus. Après son divorce, une série d’événements douloureux frappe Capuana : le décès de sa mère, celui de son second fils, Tiziano, puis celui de son frère Salvatore, qui l’avait toujours soutenu. À travers la peinture, il entame une réflexion sur la mort et la décomposition, notamment dans ses petits autoportraits. En 2000, il parvient à retourner dans son sous-sol de Sesto San Giovanni, où il s’isole et travaille intensément. Sa consommation excessive de substances psychoactives et de cigarettes entraîne plusieurs hospitalisations en établissement psychiatrique entre 2005 et 2016. En 2017, ne pouvant plus vivre seul, il s’installe dans le Piémont, où il est pris en charge par son ancienne compagne, Vanna, et sa fille, Silvia. Son état de santé s’améliore, mais il est victime d’une crise cardiaque en 2019 et décède la même année.

traduis en français : Samaneh Atef is a self-taught Iranian visual artist, born in 1989 in Iran. Based in France since 2020, she explores the body, memory, and dreams through drawing and painting. She is currently in residence at the Cité internationale des arts in Montmartre, Paris, through the Académie des beaux-arts programme, until June 2027.

Davide Cicolani est né à Rome le 8 juillet 1978. Son enfance est particulièrement difficile. À l’âge de six ans, il est frappé par la foudre. L’année suivante, il est hospitalisé pendant six mois en raison d’une néphrite. C’est au cours de ce long séjour à l’hôpital qu’il commence à dessiner. À 18 ans, après avoir obtenu un diplôme de géomètre, il commence à travailler de nuit comme ouvrier dans une usine. Il peut ainsi consacrer ses journées entièrement à l’art. Esprit libre, il démissionne au bout de dix ans et part s’installer à Paris, où il continue à peindre, passant d’un squat à l’autre. En 2016, la vie dans la capitale française commence à lui peser et il retourne en Italie, préférant une existence à la campagne, au plus près de la nature. Il s’installe dans une caravane au Circeo. Cicolani privilégie les matériaux de récupération, tels que les cartes routières, les plans d’architecte et les anciens registres comptables, ainsi que le papier recyclé. Sur ces supports déjà chargés de mémoire, l’artiste superpose des arabesques à l’encre de Chine, des traits graphiques puissants et des figures oniriques et troublantes, parfois rehaussées d’incrustations de couleur évoquant celles des vitraux anciens. Traces, entrelacs, portraits : ses œuvres se distinguent par une grande puissance graphique.

Antonio Di Paola est né à Palerme en 2000. À l’âge de 17 ans, alors qu’il étudie dans un établissement de comptabilité, il commence à dessiner spontanément et de manière assidue. Il perfectionne ensuite sa maîtrise technique et obtient, en 2022, un diplôme de l’Académie des beaux-arts de Palerme en « Arts environnementaux et langages expérimentaux ». Il vient également d’y obtenir un master en peinture. Antonio peint des personnages effrayants, dotés de griffes, de dents acérées, de queues électriques et d’épées à large lame. Ces créatures sont le fruit de la sensibilité de l’artiste et de son imagination débordante, qu’il cherche à maîtriser par le travail de la forme et de la couleur. Son malaise personnel fait écho à l’anxiété de la génération Z, celle des natifs du numérique, nourrie par la frénésie des jeux vidéo et des réseaux sociaux. Ses œuvres sont comme des miroirs qui reflètent les obsessions de son monde intérieur, tout en évoquant notre fragilité face aux catastrophes naturelles, aux guerres en cours et aux épidémies d’hier et d’aujourd’hui. Pour réaliser ses œuvres, Di Paola associe de manière originale différentes techniques, parmi lesquelles l’aquarelle, l’acrylique, les pastels à l’huile, les crayons de couleur, les pigments et l’écoline. Il donne ainsi vie à un univers fantastique singulier, peuplé de personnages excentriques en perpétuelle métamorphose.

Aldo Ordavo (Viareggio, 1913 – Viareggio, 1991) était un peintre et sculpteur italien associé au mouvement de l’art naïf. Né et ayant grandi à Viareggio, en Toscane, il a développé une carrière artistique caractérisée par un langage visuel intimiste, inspiré de l’art populaire. Ses œuvres sont appréciées pour leur dimension poétique, leur spontanéité et leur utilisation vibrante de la couleur. Il représentait fréquemment des paysages, des scènes de la vie quotidienne, des figures féminines plongées dans la nature, ainsi que des fleurs et des animaux. Expositions et distinctions Il a participé à des événements importants dans le domaine de l’art naïf, notamment au Prix national de peinture naïve de Luzzara (province de Reggio d’Émilie), où plusieurs de ses œuvres, telles que La Villomella, ont intégré des collections locales remarquables.

Arthur Devisscher (né en 1996) est un artiste belge originaire de Bruges. Après avoir commencé des études de psychologie, il choisit finalement de se consacrer à l’art et obtient, en 2022, un diplôme en illustration à la LUCA School of Arts de Gand. Son travail se distingue par un langage visuel foisonnant, riche en lignes, en textures superposées et en détails minutieux. Devisscher compose ses dessins de manière intuitive : il part d’une idée ou d’une image, puis laisse l’œuvre se développer au fil du dessin. Ses scènes, souvent empreintes d’imagination et de poésie, accordent une place prépondérante à la nature et aux animaux, qui interagissent avec des figures humaines. L’œuvre de Devisscher invite à une contemplation lente, où chaque détail semble raconter sa propre histoire. Son univers visuel, stratifié et intuitif, est empreint d’émerveillement.

Maldo Nollimerg nous raconte des mythes aux accents universels, des histoires de combats et de danses entre animaux, humains et toutes les créatures susceptibles de se métamorphoser entre ces deux mondes. Ces scènes édifiantes, souvent mises en scène entre des rideaux de théâtre (ou s’agit-il des paupières de ceux qui rêvent ces images ?), semblent, sous des dehors de fausse naïveté, nous initier à des mystères. C’est ce que nous offrent les dessins de Maldo Nollimerg : cette part de secret et de sensibilité, de dévoilement et de réécriture de soi-même et du monde.

Abel Burger (né en 1982) est un artiste autodidacte dont la pratique artistique associe dessin, peinture et écriture. Son travail explore les liens entre le rêve, la mémoire et le sacré, dans un dialogue sensible entre le visible et l’invisible. Fragmentée, à l’image des vestiges d’une langue oubliée, son œuvre se nourrit des mythes, de l’histoire et des traditions anciennes, du bassin méditerranéen à l’Orient. Ses recherches interrogent les processus de transformation intime et spirituelle. Son travail est régulièrement exposé en Europe et aux États-Unis, et figure dans plusieurs collections publiques et collections de musées.

Carlo Zinelli est né à San Giovanni Lupatoto (Vérone) en 1916. Il n’avait que deux ans lorsque sa mère est décédée. À l’âge de neuf ans, son père, charpentier, l’envoya travailler dans une ferme. Carlo devint ensuite apprenti boucher aux abattoirs municipaux de Vérone. C’est à cette période qu’il commença à s’intéresser à l’art. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il s’engagea dans un peloton d’alpins. Après avoir servi pendant deux mois comme volontaire durant la guerre civile espagnole, il fut renvoyé chez lui en raison de son mauvais état de santé. Il commença alors à souffrir de troubles psychologiques. Entre 1941 et 1947, il alterna entre des séjours dans des services psychiatriques et des périodes de travail. Il fut ensuite admis à l’hôpital psychiatrique San Giacomo de Vérone. Au début, il réalisait des dessins sur le sol et créait des images gravées sur les murs. En 1957, il fut admis dans l’atelier d’arts graphiques fondé par Michael Noble. Jusqu’à la fermeture de l’hôpital, en 1969, il y produisit près de 3 000 œuvres, principalement des gouaches, souvent réalisées recto verso, représentant des silhouettes stylisées de personnes et d’animaux. Il mourut en 1974. Comptant parmi les premiers artistes intégrés à la collection de Jean Dubuffet, ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans de nombreuses collections privées et publiques à travers le monde.

Pietro Ghizzardi est né à Viadana (Mantoue) en 1906, au sein d’une famille de paysans pauvres. Ses parents travaillant comme journaliers agricoles, la famille est constamment contrainte de se déplacer, et son enfance est marquée par la privation. De santé fragile, il suit également une scolarité irrégulière. La famille Ghizzardi ne s’établit durablement qu’en 1931, lorsqu’elle s’installe à Boretto (Reggio d’Émilie). Vingt ans plus tard, une importante crue du Pô marque un tournant dans la vie de Pietro : il décide de se consacrer pleinement à l’art et d’écrire le récit de sa vie (Mi richordo anchora, avec des notes de Cesare Zavattini, Einaudi, 1976), ouvrage qui remporte le prix littéraire de Viareggio en 1977. La peinture devient pour lui un moyen de savourer la vie et de révéler son attirance inconsciente pour l’univers féminin. Ghizzardi peint sur des cartons de récupération, recto verso, en utilisant des matériaux peu conventionnels : charbon, briques broyées, terres, ocres, baies et herbes. Pietro peint des portraits de sa famille, des saints, des animaux sauvages et, surtout, des femmes, dont certaines sont inspirées de vedettes de cinéma. Il meurt en 1986.

Les entre-temps ouvrent des espaces silencieux où les expériences se déposent, appellent à la transformation et trouvent progressivement leurs sens. C’est dans ces intervalles que se construit une narration intérieure, celle qui accompagne le regard et finit par prendre la forme d’une image. L’exposition « entre temps » propose de parcourir l’œuvre de Michaël Serfaty à partir de ces moments de passage. Le métronome du temps s’y déploie comme une succession de pages, révélant par contraste les temps visibles autant que les hors-temps qui façonnent en profondeur une trajectoire. À travers près d’une cinquantaine d’années de création, on découvre les déplacements successifs d’une écriture photographique attentive à restituer au plus juste une expérience vécue. Au fil du parcours apparaissent des glissements esthétiques qui racontent moins l’histoire d’ un style que celle d’un regard en transformation. Certaines préoccupations s‘effacent, d’autres émergent, tandis que de nouvelles formes viennent répondre à cette exigence de justesse. La photographie devient alors le lieu d’ un dialogue continu avec le monde. Chaque image cherche la forme capable d’accueillir ce face-à-face avec le réel. D’une série à l’ autre se dessine ainsi une même attention : répondre avec sincérité à ce qui se présente au regard et en préserver la part sensible. « entre temps » invite à suivre cette quête discrète, où le passage du temps éclaire progressivement les liens entre les œuvres et révèle la cohérence d’une écriture photographique en mouvement. Marion Briffod, commissaire de l’exposition

L’exposition « Territoires sauvages. Une traversée intérieure » est orchestrée comme l’exploration d’un territoire inconnu et mystérieux, sans géographie précise, fait de mythes, d’images, de récits fondateurs et de créatures fabuleuses. Ce territoire est une évocation du champ créatif des artistes qui inventent et donnent forme à des mondes subjectifs, à des systèmes visuels et narratifs singuliers. C’est également une évocation de l’insaisissable paysage mental et de l’exploration tâtonnante que l’on fait en permanence de sa propre psyché. (…) Le visiteur entre en plein dans cette exploration par le travail de Simone Pellegrini (Italie, 1972) qui pose les jalons cartographiques de ce territoire imaginaire. Ses larges parchemins horizontaux évoquent des cartes de navigation et des plans de machines à la finalité hermétique. Des secrets alchimiques et des cartes au trésor. Ce travail dessine une cartographie de l’exploration qui s’annonce : un atlas avec ses roses des vents, ses itinéraires pointillés, ses archipels et ses indications cryptiques. Ces parchemins érudits, graissés par l’âge, pourraient être la mémoire et les archives d’une civilisation perdue. Rien n’est moins sûr. L’énigme étendue sur le papier est entière. De quel monde s’agit-il ? De quel temps ? Faisons-nous face à des traces immémoriales ou à des matrices du futur ? Les compositions de Simone Pellegrini sont d'une évidente unité, chaque élément menant à l'autre dans un mouvement de lecture intuitive et ondulante. D'un graphisme rigoureux, toujours en pigments noir et rouge sur des supports papiers artisanaux suspendus et artificiellement vieillis, c'est un travail secret et sensible dont le sens et l'interprétation semblent toujours nous échapper de justesse. Les formes émergent, se répètent mais leur signification se dérobe et se transforme. (…)

L’exposition « Territoires sauvages. Une traversée intérieure » est orchestrée comme l’exploration d’un territoire inconnu et mystérieux, sans géographie précise, fait de mythes, d’images, de récits fondateurs et de créatures fabuleuses. Ce territoire est une évocation du champ créatif des artistes qui inventent et donnent forme à des mondes subjectifs, à des systèmes visuels et narratifs singuliers. C’est également une évocation de l’insaisissable paysage mental et de l’exploration tâtonnante que l’on fait en permanence de sa propre psyché. (…) Vient ensuite le travail de Yasemin Senel (Turquie, 1953), qui propose une série d’œuvres sur toile et sur papier qui puisent leur iconographie dans les épopées antiques et les dessins animés. Notre traversée nous mène à la rencontre des superstitions et des divinités de ce territoire sauvage. Inspirée par le monde ludique et tonitruant de l’enfance, Yasemin Senel amorce et superpose mille contes féroces et singuliers. Les couleurs et les traits sont utilisés comme des gris-gris et leur surenchère est une conjuration. Elle tient à distance le spectre de la mort sans le quitter des yeux. Nous assistons à une cérémonie où les contraires et les faux-semblants sabotent les perceptions. Les hiboux sont éveillés en plein jour, un squelette d’oiseau tend son sein gorgé de lait, les profils font face, des singes se coiffent de couronnes et les dames de jadis cachent leur visage émacié sous des voiles de vierges et des fleurs fraîches. Presque constante, une figure féminine centrale qui trône comme une impitoyable déesse et qui nous fixe de son regard oblique. La nature est omniprésente, mais sous sa forme animiste : les oiseaux, les arcs-en-ciel, les fleurs, les ouistitis sont autant de génies et de divinités secondaires. Les couleurs acidulées, les harmonies fringantes, le mouvement endiablé, tout cela dégage une allégresse qui bouscule. Mais l’énergie n’est jamais éparpillée en vain, elle est maîtrisée pour exploser en de petits feux follets précisément là où il faut. Les surfaces peintes sont chatouillées de dessins au trait, posés comme autant de petits graffitis racontant des histoires transmises depuis la nuit des temps. (…)

L’exposition « Territoires sauvages. Une traversée intérieure » est orchestrée comme l’exploration d’un territoire inconnu et mystérieux, sans géographie précise, fait de mythes, d’images, de récits fondateurs et de créatures fabuleuses. Ce territoire est une évocation du champ créatif des artistes qui inventent et donnent forme à des mondes subjectifs, à des systèmes visuels et narratifs singuliers. C’est également une évocation de l’insaisissable paysage mental et de l’exploration tâtonnante que l’on fait en permanence de sa propre psyché. (…) Emeli Theander (Suède, 1984) réalise des œuvres sur toile et sur papier traversées d’une dualité absolue. Chaque peinture est une énigme : jeux de miroirs, personnages en étrange posture, ballets désarticulés de figures fantomatiques, décors d'illusions optiques, citations de peintures classiques laissant une impression d’étrange familiarité... L’ombre trompeuse devient un alter-égo bestial. L’enfant allaité semble avoir des pulsions cannibales. Il est permis de douter que Thétis donne un bain d’immortalité à Achille ou tente de le noyer. Le trait est doux, caressant, la peinture à l’huile est travaillée en touches gourmandes et les couleurs sont sucrées, mais l’atmosphère est pleine d’une vénéneuse bizarrerie. Les montagnes, les ruisseaux, les étangs, les forêts dessinent un jardin d’Eden où tout annonce la Chute. C’est ici la maternité qui représente le territoire sauvage et inconnu, plein de promesses et de menaces. L’inconnu est dans le ventre de la mère et dans la découverte de son nouveau rôle, entre dislocation et transformation. C’est un continent en soi, hostile, magnifique. (…)

L’exposition « Territoires sauvages. Une traversée intérieure » est orchestrée comme l’exploration d’un territoire inconnu et mystérieux, sans géographie précise, fait de mythes, d’images, de récits fondateurs et de créatures fabuleuses. Ce territoire est une évocation du champ créatif des artistes qui inventent et donnent forme à des mondes subjectifs, à des systèmes visuels et narratifs singuliers. C’est également une évocation de l’insaisissable paysage mental et de l’exploration tâtonnante que l’on fait en permanence de sa propre psyché. (…) C’est dans la forêt enchantée de Benoît Huot (France, 1966) que notre déambulation s’achève, à dessein. Des totems-sentinelles en gardent l’accès et délimitent le seuil du monde des esprits. Un arbre immense, hybride entre le végétal et l’animal, trône au centre et accueille les vœux et les espoirs des visiteurs à la manière des arbres à clous. Il est aussi le dépositaire des secrets et le refuge des égarés. Cet arbre votif est le truchement entre le terrestre et le céleste, entre la matière et l’esprit. Tout un peuple de créatures habite cette forêt, ils en sont les gardiens, la société et les esprits. En ornant de passementeries, de bijoux et d’étoffes ces trophées de chasse, Benoît Huot accomplit d’abord un travail de réparation puis de sacralisation qui érige la faune en idoles païennes. Ces sculptures sont habitées – littéralement – et l’intercession de l’artiste les réactive en tant que présences vivantes. Tandis que le visiteur quitte la forêt et poursuit au dehors sa propre quête intérieure, elles continuent à veiller. (…)

L’exposition « Territoires sauvages. Une traversée intérieure » est orchestrée comme l’exploration d’un territoire inconnu et mystérieux, sans géographie précise, fait de mythes, d’images, de récits fondateurs et de créatures fabuleuses. Ce territoire est une évocation du champ créatif des artistes qui inventent et donnent forme à des mondes subjectifs, à des systèmes visuels et narratifs singuliers. C’est également une évocation de l’insaisissable paysage mental et de l’exploration tâtonnante que l’on fait en permanence de sa propre psyché. Une œuvre unique d’Abel Burger (France, 1982) ouvre l’exposition. Elle fait lien entre l’exposition précédente qui lui était consacrée, et celle-ci, où elle a toute sa place. Car Abel Burger est un passeur. Elle nous transmet ce que les esprits lui chuchotent à l’oreille quand elle est penchée sur sa feuille de dessin. Elle pose son geste sous leur dictée, et son œuvre devient réceptacle. Elle gratte, colorie, écrit, remplit les vides et creuse des sillons, et nous rend visible ce qui la traverse. Le divin s’incarne dans les traces de pastel laissées par ses doigts. Son dessin est la surface de révélation d’une liturgie composite, à la fois sauvage et articulée. C’est le récit de la nature de l’Homme : parfaitement païenne et absolument sacrée, faite de violence et de tendresse, de peur et de foi. Ce propos est celui de toute l’exposition, chacun des artistes témoignant de son paradoxe intérieur et de sa quête. (…)

Comme pouvoir se confier à la feuille de papier et me faire surprendre en voyant apparaître des êtres étranges au bout de mon crayon, de ma plume ou de mon pinceau. Même si souvent ils ne disent rien parfois ils me parlent. Comme un écho à mes fantasmes. Je ne les domine pas. Comme des poèmes, ce sont eux qui m’obligent à les faire exister. Ils sont une ironie, un frisson, une sueur, une larme, un préambule, une intuition, un complice, une déraison… J’ai toujours dessiné, comme on écrit, comme on fait semblant d’agir, concentré sur quelque chose qui ressemble à une boule de cristal en faisant fondre l’aquarelle ou en énervant la peinture sur le papier, en tirant des traits… Si je veux savoir ce que j’ai dans la tête, si je veux découvrir ce qui me hante, pas besoin d’aller voir un psy, moi je dessine en poésie… CharlÉlie

Natasja van Kampen (née à Renkum, Pays-Bas) pour cette exposition, a composé un ensemble d’œuvres sur des pages de revues anciennes : des dessins détaillés, colorés de plantes, parfois vénéneuses interfèrent avec les images du support, jouant de leur sens, perturbant leur lisibilité… Depuis plusieurs années, Natasja van Kampen s'intéresse à la précarité de l’équilibre entre le bien et le mal. Par le biais du dessin, elle explore le caractère insaisissable, les abus et excès opérés par les tenants du pouvoir politique. Ces derniers temps, voyageant davantage dans le registre de l'intime, elle s'interroge à propos des aléas du domestique, s'intéresse au retentissement des conflits larvés, aux possibles fantasmes des protagonistes... A côté de cette série illustrant, non sans ironie, des plantes vénéneuses, elle présentera de petits formats où elle teinte, par exemple, en rose bonbon les montures d'un groupe d'officiers à cheval -continuant ainsi son observation très personnelle des symboles du pouvoir... Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

Gabriel Folli (artiste invité) développe des systèmes d’hybridation de procédés et d’images qui donnent naissance à des dessins composites, mêlant récits personnels, fragments historiques et archives visuelles. Sa pratique s’appuie notamment sur le remploi et l’usage du rebut, multipliant les passages entre passé et présent. Cette démarche s’inscrit dans une réflexion sur les violences contemporaines et les figures marginalisées, tout en interrogeant la manière dont les images et les récits se fabriquent et se recomposent. Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

L’exposition Curiosa / étranges images présentera des eaux-fortes de Frédéric Coché – de l’ensemble labor intus - élaborées lors de sa résidence à la villa Médicis (2024) ainsi que des planches de l’ensemble Brynhildr, dont certaines seront exposées en octobre prochain au Palais Garnier, Opéra de Paris. Ces œuvres seront accompagnées de peintures et dessins. "Infini est un récit perpétuel, dont les deux bouts mènent vers le centre. On y suit des morts et des vivants, des êtres qui meurent et renaissent ailleurs... Suivant le sens de lecture, on verra une naissance ou une inhumation. Pour tout percevoir, il faudra reprendre le livre à rebours, comme les mourants repassent le fil de leur vie. Dans ce songe en eaux fortes aux interprétations infinies, un bébé devient adulte à la surface visible des choses, tandis que son jumeau, mort très jeune, erre sous la forme d'une araignée dans une vie souterraine". Frédéric Coché, 2026 Gwladys Le Cuff**, question à propos de Brynhildr : Quant à la composition du récit : 14h d’opéra réduites en 64 planches… Selon quels critères ? FC 'Pour me donner le plus de choix possible, j'ai augmenté le nombre de sources, visuelles et théoriques. J’ai lu le livre sur Castorf, regardé des mises en scène, Chéreau par exemple. J’ai lu les livrets, qui donnent quelques indications spatiales, visuelles, mais évidemment mettent surtout en évidence les dialogues - or mon Ring est entièrement muet... J’ai été regarder les sources mythologiques de Wagner, pour voir comment il choisissait, triturait les choses. Après, il y a des choix personnels, sur lesquels on pourra revenir ensuite : ainsi, j’ai eu envie de travailler avec des références à la culture religieuse indienne, pour le personnage de Brünnhilde notamment'. **docteur de l'EHESS en Arts et langage. Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

La définition du palimpseste est un manuscrit sur parchemin d’auteurs anciens, que les copistes du Moyen-Âge ont effacé pour le recouvrir d’un second texte. Dans les cadre des travaux et recherches de Robert JASO et de Xavier DEVAUD, il s’agit au sens figuré de la création d’oeuvres dont l’état présent peut laisser supposer et apparaître des traces de versions antérieures. Il s’agit aussi des histoires personnelles et artistiques des deux artistes, de leur technique de transmission, de leur message intime et de leur sensibilité. La conversation artistique entre les séries de Robert JASO créées avec la technique qu’il a mise au point PHOTOMULSION@ et les dernières peintures de Xavier DEVAUD est une opportunité de parler du palimpseste en évoquant le manque, la perte, la déchirure, les strates qui patinent notre existence. Xavier DEVAUD, peintre et dessinateur, développe une œuvre profondément humaniste où le dessin, la peinture et l'écriture explorent les émotions, le silence et la présence. Durant le confinement, il crée La Traversée, une série de portraits à l'encre de Chine révélant l'intimité des regards et la fragilité des êtres. Son travail, fondé sur la ligne, le geste et l'improvisation, évolue ensuite vers la peinture sur toile, nourrie d'images et de poésie. Influencé par les arts de la scène, il laisse une place essentielle à l'inconscient, à la lumière et à l'imprévu. Lauréat du prix Claire Combes (Fondation Taylor) en 2017, il expose en France depuis 2011.

La définition du palimpseste est un manuscrit sur parchemin d’auteurs anciens, que les copistes du Moyen-Âge ont effacé pour le recouvrir d’un second texte. Dans les cadre des travaux et recherches de Robert JASO et de Xavier DEVAUD, il s’agit au sens figuré de la création d’oeuvres dont l’état présent peut laisser supposer et apparaître des traces de versions antérieures. Il s’agit aussi des histoires personnelles et artistiques des deux artistes, de leur technique de transmission, de leur message intime et de leur sensibilité. La conversation artistique entre les séries de Robert JASO créées avec la technique qu’il a mise au point PHOTOMULSION@ et les dernières peintures de Xavier DEVAUD est une opportunité de parler du palimpseste en évoquant le manque, la perte, la déchirure, les strates qui patinent notre existence. Robert JASO est né en Tchécoslovaquie en 1964. Il vit en France depuis son enfance. Mannequin professionnel, il parcourt la scène de la mode et de la publicité à travers le monde. Puis, il s’installe à Paris en qualité de photographe de mode et de beauté. Ce métier lui ouvre des collaborations avec les designers, stylistes, coiffeurs et maquilleurs les plus renommés de ce secteur pour la cocréation de séries de photographies destinées aux prestigieux magazines de mode. Toujours en quête de concepts et d’innovations, Robert JASO mène plusieurs années de recherche sur son fond d’images et invente la photo émulsion. Aujourd’hui, Robert JASO est artiste plasticien à Paris.

Vitamine met en relation les œuvres de trois artistes qui privilégient régulièrement dans leurs pratiques distinctes — sculpture in situ pour Élodie Boutry, photographie pour Catherine Larré, et peintures "d’après" pour Diego Movilla — l’emploi de la couleur ; partie intrinsèque de leurs œuvres, elle agit telle un principe actif, comme un stimulant visuel. Pour Elodie Boutry le rapport au lieu est essentiel. "…Ses peintures murales, ses œuvres en volumes -de taille monumentale ou d’échelle réduite, s’inscrivent dans un espace spécifique, tant en intérieur qu’en extérieur. C’est un espace panoramique, il amène à la déambulation, on est toujours dans un rapport au corps" , précise Elodie Boutry, et c’est ainsi qu’elle l’investit, "le peintre a son tableau devant lui, moi je suis dans le tableau." […] Selon elle, l’assemblage dans l’espace est modulaire et offre une démultiplication des facettes. Du bois initial, très présent, la structure a disparu sous une couche de peinture blanche, puis Elodie Boutry a pensé les associations aux couleurs. Grand rose, menthe, citron, saumon, bleu céruléum, fuchsia, gris…, la palette est riche avec une gamme de couleur prédéfinie, croisant intensité extrême et neutralité… Mathis Berchery, à propos de l’installation réalisée à l’été 2024 dans le jardin du cloître de la cathédrale de Tréguier, Bretagne écrivait : "Les visiteurs sont invités à déambuler, à éprouver physiquement les principes si chers au Bauhaus, de "vibration" des couleurs juxtaposées, à les voir se déconstruire et se recombiner, jouant avec les perspectives, la paréidolie des formes, rompant avec l'attitude habituelle des visites patrimoniales. L'exposition (+/-) s'inscrit dans une exploration à la fois minimaliste et coloriste, dans la continuité d'artistes tels que Bridget Riley, François Morellet ou Henri Matisse." Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

Vitamine met en relation les œuvres de trois artistes qui privilégient régulièrement dans leurs pratiques distinctes — sculpture in situ pour Élodie Boutry, photographie pour Catherine Larré, et peintures "d’après" pour Diego Movilla — l’emploi de la couleur ; partie intrinsèque de leurs œuvres, elle agit telle un principe actif, comme un stimulant visuel. Diego Movilla (né à Burgos, Espagne, 1974) diplômé de l’École des Beaux-Arts de Bilbao, vit et travaille en France depuis 2002. …Après avoir mis à l’épreuve la représentation du paysage et ses enjeux autoritaires (Lieux de passage, 2018), puis son idéalisation au XVIIe siècle (Foncer dans le décor, 2021), Diego Movilla poursuit, avec après—nature, un travail sur l’instabilité de l’image, ses conditions d’apparition et ses seuils de visibilité. Peignant "d’après" les grands maîtres de l’histoire de l’art, il affirme dans des gestes de dilution, d’effacement et de repentir, la dimension circulatoire et transitaire de l’image. Celle-ci serait alors prompte à enregistrer, dans sa matérialité physique comme numérique, ses multiples déplacements techniques et médiatiques, indexant par là même troubles, fractures et glissements du monde…" Texte de Carin Klonowski (extraits), pour l’exposition Après-Nature (2025) Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

Vitamine met en relation les œuvres de trois artistes qui privilégient régulièrement dans leurs pratiques distinctes — sculpture in situ pour Élodie Boutry, photographie pour Catherine Larré, et peintures "d’après" pour Diego Movilla — l’emploi de la couleur ; partie intrinsèque de leurs œuvres, elle agit telle un principe actif, comme un stimulant visuel. La photographe Catherine Larré expérimente l’épanouissement et le flétrissement de la fleur par le détournement du sujet. En effet, elle nous plonge dans une sorte de collection d’images qu’elle découpe, altère, superpose ou suspend avant de les photographier en une construction aux fragiles et subtiles nuances qui nous plonge dans la rêverie, la douceur et l’émerveillement, mais aussi dans des thèmes plus profonds comme la disparition et la réapparition, la transformation, le renouvellement ou la perpétuation. Par ailleurs, elle endosse la posture du peintre pour utiliser le pinceau, ou manipuler le support photographique avant de réaliser de nouvelles prises de vue. Une profusion d’efflorescences qui n’est pas sans rappeler les clichés des artistes pictorialistes du début du XXe siècle ou les paysages impressionnistes. L’influence de la peinture hollandaise du XVIIe siècle, où le bouquet est une vanité, rappelle l’allégorie du temps qui passe, une réflexion mystique malgré l’onirisme et la fluidité des images. Diplômée du Royal College of Arts de Londres, Catherine Larré a bénéficié d'une exposition personnelle au Musée de la Photographie Charles Nègre à Nice, commissaire Jean-Jacques Aillagon. Ses œuvres ont été acquises notamment par la Fondation Pinault. Courtesy l'artiste et Galerie la Ferronnerie

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seundja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seundja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seund Ja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seundja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seundja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Le 14 septembre 2026, Michel Butor aurait eu cent ans. Romancier, poète et essayiste, il n’a cessé d’explorer les liens entre littérature et arts visuels, collaborant avec de nombreux artistes de son époque. De ces échanges sont nés des centaines de livres-objets, d’œuvres croisées et de projets singuliers. À l’occasion de cet anniversaire, Enseigne des Oudin consacre une exposition aux « années niçoises » de Michel Butor, période particulièrement féconde de sa vie. Le parcours rassemble des œuvres croisées et des livres d’artistes nés de compagnonnages électifs. On y croise la modernité d'Henri Matisse ainsi que les recherches de Marcel Alocco, Max Charvolen, Martin Miguel et Henri Maccheroni, ou encore celles de Jean-Jacques Laurent et Manuel Casimiro. Entre interventions textiles et manuscrits enluminés, le dialogue s'étend aux univers de Seundja Rhee, Gérard Serée, André et Chantal Villers, Ania Staritsky et Claude Viallat. Cet accrochage rend hommage à un Butor insatiable amateur et ami de l’art contemporain.

Pour son exposition du printemps 2026, la Galerie Miranda est ravie d'annoncer une exposition personnelle de natures mortes nuancées de l'artiste Laura Letinsky, basée à Chicago. Depuis plus de 30 ans, le travail de Laura Letinsky explore sans cesse la définition même de la photographie. Dans « A pleasure in solid objects and scraps of useless information », Letinsky emploie et combine des procédés photographiques historiques et modernes pour créer des images qui remettent en question et déjouent les notions préétablies d'organisation spatiale et temporelle : images prises avec un iPhone et imprimées en ferrotype (l'un des premiers procédés photographiques), tirages pigmentaires numériques sur papier et tirages par sublimation sur aluminium. La série « Who loves the sun » a été réalisée chez elle et lors de sa résidence de 2023 à la Maison Dora Maar à Ménerbes, en France. Cette série explore l'interaction entre lumière naturelle et artificielle, inspirée par l'atmosphère lumineuse et ensoleillée de la Provence. (...) Sa série emblématique de natures mortes, « Ill Form & Void Full », réinterprète et juxtapose des photographies issues de magazines de décoration et d'art de vivre, ainsi que ses propres œuvres, celles d'amis et des objets du quotidien. Ce processus révèle comment les conceptions de la sphère privée et leur manifestation dans nos vies reposent toujours sur ce qui les a précédées : la perception elle-même est une construction. (...) Sa toute dernière série, « That What Can’t Be », présente des instantanés pris avec son iPhone – compositions abstraites et natures mortes du désordre domestique – imprimés en ferrotype, conférant aux images une qualité réfléchissante et argentée. Ces images intimes, imprimées sur une surface semblable à un miroir, évoquent un sentiment d'intemporalité et d'introspection. (...) Les natures mortes délicates et résolument contemporaines de Laura Letinsky seront présentées à la Galerie Miranda aux côtés d’une sélection de pièces iconiques et inédites de la maison de design parisienne Tsé & Tsé associées, dont le style mêle humour, élégance et savoir faire artisanal. (...)

Cette première exposition personnelle de l’artiste Camille GUICHARD, photographies et textes poétiques, nous plonge au cœur de l’univers intime de l’artiste. Camille Guichard propose un regard sur la condition humaine et sur les mutations de la Nature. Notre rapport au vivant, à la pudeur, à la vulnérabilité est au centre de son message. Un regard ni masculin, ni féminin : c’est la puissance du vivant qui anime indéniablement Camille GUICHARD dans l’ensemble des séries. Camille Guichard déploie une œuvre à la croisée de plusieurs disciplines, tissant avec subtilité et grâce les exigences du cinéma, de la photographie et de l’écriture, avec une attention particulière portée à la poésie. Ces univers, intimement liés, composent un langage universel. Dans son œuvre, il est question du corps matière, du passage du temps, de la mise en danger et de la beauté du monde. Il affirme avant tout une grande liberté d’expression. Camille Guichard entre dans la matière comme on s’aventure en territoire inconnu, qu’il explore aussi bien à l’extérieur qu’au plus intime de son corps. Il scrute, dissèque, effeuille ; puis vient le moment du basculement : il plonge ! Esthète frugal, il ne délivre que l’essentiel. Sensible et radical, il construit depuis l’adolescence une œuvre photographique qu’il n’a choisi de présenter au regard du public que depuis quelques années et pour la première fois sous la forme d’une exposition personnelle à Paris. C’est intime et fulgurant. Jamais cabossé. À la fois soigné et taillé dans le vif. Performeur autant que photographe, Camille Guichard engage son corps dans l’acte de création. Nu, immergé dans la nature, confronté au froid norvégien, il s’expose sans artifice, dans un rapport direct et presque primitif au paysage. Ce geste, à la fois humble et audacieux, traduit une quête de fusion, un désir de se fondre dans le monde plutôt que de le dominer. (...)

Je suis ravie de vous accueillir au vernissage de notre nouvelle exposition ce dimanche 10 mai de 14 à 18h. Elle réunira les oeuvres sur papier de Solange Knopf et de Maria Ñíguez, et les céramiques d’Antoine Moulinard. “Les veilleurs” est une exposition d’oeuvres particulièrement habitées. L’ensemble est halluciné et gothique, comme extrait d’un château traversé de fantômes et de courants d’air. Maria Ñíguez (Espagne, 1997), que nous présentons pour la première fois à la galerie avec beaucoup de joie, dessine au crayon ou au pastel d’étranges saynètes, à la fois extérieures et intérieures. Ses personnages taciturnes nous guident à la flamme vacillante des bougies dans un labyrinthe de secrets et d’illusions. Justine Jacquemin